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S’il y a bien un artbook que j’attendais de pied ferme, c’est celui-là. Avec un contenu assemblé intégralement par Mark Molnar, un illustrateur / concepteur artistique qui a travaillé pour les plus grand comme Weta (studio en charge d’effets spéciaux pour des très grosses productions hollywoodiennes comme LOTR, King Kong, Chappie, Mad Max, Godzilla et j’en passe), Universal, LucasFilm ou même des sociétés orientés jeux vidéo (Eidos, Square Enix, Christal Dynamics et bien d’autres), ce livre ne pouvait que s’annoncer grandiose. Et après plusieurs mois de longue attente, presque 1 an finalement, il est enfin arrivé chez moi ! Mais avant de continuer sur ce livre, petit comeback sur cette aventure commencée en septembre 2014…

À la rentrée 2014 (eh oui j’étais encore étudiant à cette époque fort fort lointaine…), je continuais dans ma soif d’agrandir ma collection d’artbook – bon ok, c’est toujours le cas, mais j’essaie de moins passer pour un acheteur compulsif – et je suis tombé par hasard sur un kickstarter-like d’un livre dont le contenu me semblait plus qu’attirant. C’est via le site « IT’s ART » que je fis la découverte de la production de Mark Molnar. Je décidai, après avoir feuilleté quelques ébauches et artworks, de backer (comprendre « soutenir financièrement ») l’aventure de ce très cher monsieur dont le style était l’un dont je suis le plus fan, à savoir la SF et le post-apocalyptique. La campagne de fond finit le 11 novembre 2014 avec la promesse (aussi bien de l’artiste que du site) de recevoir l’artbook début 2015 (premier trimestre pour être exact).

Seulement voilà, arrivé à la fin du premier trimestre, les mails annonçant un retard – en tout cas pour une partie des backers – commencèrent à arriver. Après plusieurs relances, j’ai eu des réponses du responsable du site (un français qui plus est) qui m’expliqua, à moi et au reste des participants, que le site avait rencontré de nombreux soucis avec le service de livraison. De ce fait, il devait donc trouver une nouvelle société afin de se mettre d’accord (sûrement sur les prix des frais de port) et procéder à l’envoi. Bref cela aura donc pris jusqu’à cette semaine pour recevoir le précieux. Je n’en veux pas au site (ou à son responsable), et encore moins à l’artiste pour ce retard, je pense, tout simplement qu’ils ne s’attendaient pas à devoir livrer près de 250/300 exemplaires de ce livre, et ont un peu été pris de cours. Je ne connaissais pas ce site avant et je pense que fort de cette expérience, les prochaines productions ne subiront pas ces petits soucis, tout du moins je l’espère.

Venons-en enfin à ce qui nous intéresse, à savoir l’artbook en question : Behind the Pixels. Il ne s’agit pas d’un artbook « classique » dans le sens où celui-ci n’attrait pas à une saga vidéoludique ou cinématographique en particulier. En effet, il s’agit ici d’un recueille de tutoriaux imagés et dispensés par différents artistes (dont Mark Molnar évidemment). Finalement, on pourrait dire qu’il s’agit d’un artbook à la fois formateur, et à la fois conceptuel un peu à la manière des Structura 2 et Structura 3 que j’ai déjà traité. Extérieurement, il faut avouer que ce livre est très classe avec sa couverture mate et rigide qui inspire la confiance. Petit cocorico, le livre a été imprimé en France (Chez PrintTeam plus exactement), on peut donc se dire qu’en plus d’aider un artiste à réaliser son rêve et nous fournir un super livre, on aura permis à une entreprise française d’avoir un peu plus de travail.

Le contenu a été articulé autour de 6 chapitres, précédés par quelques introductions de l’auteur. Tout d’abord, il explique comment lui ai venu cette passion du dessin et pourquoi il s’est tourné vers ce métier de concepteur graphique. Ensuite, il donne sa définition de ce qu’est un concept design. Il continu en expliquant ce qu’est le travail d’artiste conceptuel avec les 4 phases de développement que cela comporte, à savoir : le Pitch (sorte de pré-préproduction où il est utile de se fixé des idées, d’avoir des références et de faire quelques ébauches), la préproduction qui consiste à trouver un univers dans lequel on veut évoluer et commencer des concepts qui s’y raccrochent, la phase de production où l’on rentre dans la création d’objets ainsi que l’ajout de nombreux détails, et enfin la postproduction où l’on rajoute des effets visuels, des correctifs de couleurs et tout un tas de détails finaux.

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Cette introduction se finit avec quelques mots sur ce qu’est, aujourd’hui dans l’industrie, le concept art. À noter la présence de quelques citations de personnes du milieu, souvent directeurs artistique de projets plus ou moins connu du grand publique. Nous en arrivons aux 6 chapitres qui sont organisés de la manière suivante :

  1. Sketches (ou croquis) ;
  2. Speedpainting and digital Sketches (ou peinture rapide et croquis numériques) ;
  3. Charactere and creature design (ou Conception de personnage et créature) ;
  4. Environment design (ou conception d’environnement) ;
  5. Mood and keys concepts for films and games (ou modèle et clés de créations pour films et jeux vidéo) ;
  6. Marketing and promotional art (ou Art pour la publicité et la promotion).

Pour faire simple, car il sera plus facile de vous montrer des photos du contenu plutôt que de parlementer dessus pendant encore 300 lignes, chaque chapitre suit le même schéma. Il y aura plusieurs tutoriaux, proposés par différents artistes (je mettrais une photo de la liste en fin d’article), qui vont vous expliquer quels sont les points importants pour eux lorsqu’ils développent un visuel, le tout accompagné de plusieurs images afin d’illustrer leurs propos. Bien sûr, ce n’est pas tout puisqu’en plus des tutoriaux, il y a de nombreuses illustrations qui permettent de contempler le travail accompli. En ce qui concerne la qualité, les impressions sont vraiment très bonnes, la qualité du papier est exemplaire et ne souffre d’aucun défaut apparent. Le livre fait près de 290 pages,qui sont assez épaisses et on le sent tout de suite une fois en main, mais cela permet de resentir une certaine solidité.

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Enfin, dernier point fort agréable et qui montre que finalement, les livres peuvent également être moderne, l’ajout de QRCode à plusieurs endroits du livre. Souvent lié à des tutoriaux, ils permettent d’accéder à la vidéo YouTube de l’auteur, où se dernier montre sur une durée d’environ 5 à 10mn sa création (commenté oralement). Même si je ne suis pas dessinateur, et qu’il y a donc peu de chance pour que j’aille visionner toutes les vidéos, je trouve le concept original et vraiment bon. J’ai souvenir d’avoir lu, il y a déjà plusieurs années, un livre – Level 26 – qui proposait déjà de voir pour chaque chapitre, une vidéo via un lien, et j’avais trouvé le concept super intéressant.


Pour conclure sur cet artbook, ou plutôt ce livre artistique, je dirais que la qualité est vraiment bonne, tant d’un point de vue du contenu que du support. Je ne regrette pas du tout d’avoir backer (pour une somme d’environ 50 € à l’époque) et aidé cet artiste (très à l’écoute de sa communauté qui plus est, puisqu’il aura répondu à plusieurs de mes requêtes par MP) qui a su non seulement fournir un travail monstre, mais également réunir celui de plusieurs concepteurs de talent. Le seul reproche que je ferais peut-être serait le manque (même s’il y en a) d’artworks de grande taille, voire en double page. La contrepartie est la présence de nombreux texte permettant de se régaler pour peu que l’on ne soit pas anglophobe. Si ce livre ne se destine pas à tout le monde, je suis content qu’il fasse partie de ma collection, d’autant plus que je ne sais pas s’il sera un jour commercialisé à grande échelle, et que je fais donc partie des quelques 300 personnes à l’avoir en leur possession. Sur ce, merci de m’avoir lu et je vous laisse avec les photos !

Points positifs :

  • Extérieurement sobre et classe ;
  • Des matériaux (couverture cartonnée rigide, papier épais, impressions parfaites) de qualité ;
  • Un gros travail de réunification des différents tutoriaux d’un grand nombre d’artistes ;
  • Les QRCodes renvoyant vers des vidéos YouTube sont une très bonne idée ;
  • Les différents chapitres permettant d’aborder les multiples phases de la conception d’un artwork ;
  • La rareté du produit ;
  • Des images portant aussi bien sur des pures inventions que sur des produits déjà existants (Destiny, Dune, Halo ou encore LOTR) ;
  • Une fabrication made in France.

Points négatifs :

  • Trop peu d’impressions de grandes tailles ;
  • Peut-être un peu trop de tutoriaux, et pas assez de production de l’auteur lui-même ;
  • Il faut s’intéresser aux différentes étapes de production des artworks, sinon le produit perd de son intérêt.

 [IMAGES PERSONNELLES]